¿Querés aprender a analizar películas?

Vamos a trabajar en 4 clases con un método muy concreto de análisis.

Iremos gradualmente utilizándolo sobre películas de todas las épocas.

La idea es que puedan apropiarse de este método y sirva para el análisis de cualquier discurso fílmico o audiovisual.

LA PATRIA INVISIBLE

Por Lorena Marazzi

 La película comienza con el himno nacional argentino empezado, anunciando que no va a contar una historia desde su inicio sino en una época determinada. Y más precisamente en la música que precede a la estrofa "Sean eternos los laureles que supimos conseguir". Del plano negro surge una pequeña luz proveniente de una ventanita a un costado. Y en ese momento suena "Oh juremos con gloria morir", el fin del himno. Ahora vemos un espacio amplio y vacío. Unas puertas cerradas. Las abre Marita Cornejo, una preceptora del colegio, quien dirige a los alumnos marchando, como soldados. La música, los pasos y movimientos parecen coreografiados. Marita mira al frente, como sin mirar. Por momentos esos alumnos, que hasta los vemos detrás de rejas, caminando como autómatas, remiten a los de The Wall de Pink Floyd.

De espaldas se nos presenta el prefecto, el Sr. Biasutto, quien está observándolos  desde arriba, esperando para controlarlos antes de entrar al aula.

Lo primero que escuchamos de Marita es "Silencio, señores". Y de Biasutto "Tomen distancia".

Esta puesta en escena se condice con la rigidez del régimen que se vivía en ese momento (luego nos enteramos de que es marzo de 1982) tanto en el colegio –el Nacional Buenos Aires– como en el país.

El clima que se respira, incluso en la sala de profesores, es de silencio e individualismo. El único preceptor que intenta ofrecer unas galletas a Marita y a otros compañeros queda algo desubicado al romper esa formalidad.

El director, en su discurso de apertura del ciclo lectivo, hace énfasis en que el colegio era reconocido desde su fundación como colegio de ciencias morales y dice que recuerden que "la historia del colegio y la historia de la Patria son una misma cosa".

Esta comparación sugiere la idea de que el colegio, como espacio y territorio, podría significar el país.

Marita es una joven muy discreta, rígida y obediente. Se esfuerza por ser eficiente en su trabajo de controlar la disciplina de los alumnos. A la vez, empieza a sentir su tardío despertar sexual, a sus 23 años. Observa a Biasutto con admiración y deseo y también se siente atraída por uno de los alumnos. Le seduce por un lado el poder –implacable y relacionado con el deber– y por el otro la juventud –desobediente, informal y prohibida.

Con la excusa de la sospecha de que alumnos varones fuman en el baño, Marita pide permiso a Biasutto para entrar a escondidas a vigilarlos. El la autoriza y alienta diciendo que "fumar en el colegio es el cáncer de la subversión que todavía nos amenaza". Más adelante, Biasutto volverá a utilizar esta metáfora cuando, luego de enfatizar que en el país hubo una guerra contra la subversión, le pregunta por el avance de su investigación.

 En ese espacio prohibido –el baño de varones– Marita empieza a experimentar un deseo sexual que va liberándose de a poco y cada vez con más fuerza. Como si tuviera los ojos vendados, los sentidos del olfato y el tacto se intensifican. Se vuelve más instintiva, como más animal. Inclusive, fuera del baño, se la ve por momentos alucinada, cada vez más obsesionada por ese alumno y menos interesada en Biasutto. Hasta llega a desmayarse una vez que, con la excusa de controlar el largo del cabello, lo toca y huele.

Mientras tanto, según avanza, ella no descubre nada y fantasea cada vez más con este alumno y su supuesta subversión.

El personaje de Marita representa a la Patria con un incontrolable deseo por sentir lo más primario y pulsional entre tantas resistencias y total rigidez. A Marita la embriaga la libertad de manera inevitable, la juventud y la brutal frescura de aquel alumno que podrían encarnar el espíritu de la democracia.  

Ella tiene muy poco poder, lo vemos en los planos cenitales tanto en el baño como al cruzar el gran patio.

Hacia el final, se advierten, desde el exterior del colegio, ruidos de protesta, lo cual se presenta como una amenaza y, aunque se confía en que las autoridades controlarán la situación, cierran las puertas principales como medida de precaución.

Es una fecha patria y en el acto escolar, al cantar los versos del himno "Y los libres del mundo responden", la mirada de Marita y el alumno se encuentran, incluso él mira a cámara, haciéndonos partícipes de esa complicidad, y Biasutto los ve con asombro, y continúa "Sean eternos los laureles que supimos conseguir". Luego ella mira a Biasutto, que está arriba, con cierto temor.

Al finalizar el acto, Biasutto enfrenta a Marita en el baño de varones poniendo de manifiesto su mentira y demostrándole que, en realidad, ella no buscaba nada. Descubierta, se siente avergonzada y mientras, desde la calle, el estruendo de las bombas es cada vez más fuerte, él la viola. Luego, se lava las manos, la obliga a lavarse y enciende un cigarrillo. A través del reflejo de un espejo manchado vemos que ella lo ataca y se va, dejándolo herido. La banda sonora apoya la explosión de Marita. La cámara se acerca a la luz de la ventana. Desde la calle, junto con el ruido, entra mucha luz, en contraste con la escasa del inicio de la película.

Luego de los créditos finales aparece la grabación del discurso de Galtieri en Plaza de Mayo anunciando la guerra de Malvinas. Dice "si quieren venir que vengan, les presentaremos batalla". Esta referencia histórica nos sitúa en el preludio del fin del régimen dictatorial y la incipiente democracia.

En "La mirada invisible", no es la primera vez que suenan las palabras guerra y batalla. "Victoria total es no haber tenido que llegar a la batalla" había dicho Marita en un dictado a sus alumnos.

Y Marita sale ultrajada, vencida como de una guerra pero con fuerza. Finalmente, no de la manera esperada, ese deseo encuentra su salida. Y ya no se pierde al atravesar ese patio –de ese colegio vacío de respuestas–, sino que sale por los pasillos, decidida a pelear.

Octubre 2011

La mirada invencible

Por Paula De Giacomi 

 “La mirada invisible” de Diego Lerman, es la historia de María Teresa (Marita) una preceptora que trabaja en uno de los colegios más emblemáticos de Buenos Aires. Esta película, esta situada en el año 1982, durante la dictadura militar y en los comienzos de la guerra de Malvinas. Esto no es casual, ya que refuerza una de las ideas principales que relata el film: la represión.

La represión interna de la protagonista funciona paralelamente a la represión social que se gestaba en el contexto histórico que acompaña la vida de los personajes. Si bien esto es importante, creo que la película desarrolla más detalladamente la primera idea.

María Teresa reprime sus más profundos deseos, su femineidad y su (difícil) relación con los hombres. Ella vive en un mundo de mujeres (con su abuela y madre) con un padre ausente y trabaja en un mundo de hombres, cuyas miradas muchas veces, se posan sobre ella. Y la mirada… punto fundamental de la tesis de la película.

La “mirada invisible” es para mí esa mirada que tan bien definió Carlos Biasutto (jefe de preceptores) aquella mirada que esta en constante “vigilancia”, que “todo lo ve” pero que no se “deja ver”, y esto simboliza la “Ley”. Pero lo importante son las implicancias que tiene esta mirada sobre el personaje y esta “gran mirada” genera en la protagonista la sensación de no “poder ver” sus más intensos anhelos. Esta “Ley” representa al padre, la sociedad, dios, etc. La mirada de María Teresa esta ciega, nublada, deformada, ella no puede soportar sus propios deseos porque hay algo más allá que la ”vigila” constantemente, una mirada invencible.

Una escena fundamental que se asocia con esto es cuando ella entra al baño (único lugar en donde parece poder expresar sus deseos) y se queda observando a su alrededor, mientras la cámara la muestra desde arriba, la cámara sería esta “mirada todopoderosa” de la cual hablo (¿quizás también la mirada del espectador que todo lo ve?) que levanta el dedo para juzgarla y de la cual se esconde asomándose de a poco detrás de la puerta verde del baño; pero hay cosas de las cuales es imposible escaparse… Y Marita esta tan mirada por esta “Ley”, que no puede mirarse profundamente a sí misma…

Su “ceguera” esta representada en el relato en los momentos en que la pantalla se convierte en negro (por ejemplo, en los créditos del principio, en los créditos finales y cuando ella se desmaya). El negro simboliza la venda en los ojos, la oscuridad absoluta, la negación de la mirada en su más amplio sentido.

Por esto mismo, ella necesita exaltar los demás sentidos para poder compensar su falta, y es así como prevalece en gran medida en toda la película lo auditivo, lo olfativo y el tacto.

Los sonidos tienen una gran importancia, es más, refuerzan constantemente las imágenes. Por ejemplo cuando suena el himno Nacional en los créditos, música patria ante la ceguera de un país azotado por la represión; y en los créditos finales con el discurso de Galtieri, con las palabras retumbando en el negro de la pantalla.

También cuando suena el timbre que le da fin al “recreo”, ese timbre que la “despierta” de su deseo cuando esta a punto de entrar al baño (de realizarlo). También la música de rock que escucha en su casa, sólo por ser escuchada por el alumno, música que parece unirla de alguna manera al universo de él.

Otro ejemplo es la escena final, donde los sonidos acompañan las situaciones que se suceden. En el momento de la violación se escuchan ruidos, disturbios, bombos, mientras ella trata de gritar, con la boca tapada, sonidos de protesta ante el abuso de poder (tanto en el plano de la escena de la protagonista como lo que significa metafóricamente en el plano del contexto social). Cuando ella lastima a Carlos Biasutto y el cuerpo yace ensangrentado apoyado sobre la pared del baño, suenan las sirenas (de ambulancias o de la policía) sonidos que remiten a evitar la muerte del cuerpo (o país) agonizando. Y por último, cuando ella se va caminando suenan tiros, tiros que dan batalla, la batalla externa que se juega en un país que lucha por no tener la “boca tapada” (como Marita) que necesita gritar por su libertad, y por otro lado, esa batalla de la protagonista con ella misma, con sus propios deseos.

También esta presente en varias ocasiones el olfato: cuando ella huele al alumno por el cuál tiene sentimientos (y hasta llega a desmayarse ante su cercanía) cuando va a comprar el perfume que él usa para tener parte de él en su intimidad y recordarlo y cuando huele el jabón del baño de varones.

Y además esta presente el sentido del tacto cuando, por ejemplo cuando toca la ropa íntima de él, le revisa el bolso, o roza sus dedos en su cuello para medir si su pelo esta mas largo de lo conveniente.

Como conclusión creo que “La mirada invisible” deja entrever los estragos que la represión (en todo su esplendor) genera en cada sujeto (o en una gran cantidad de sujetos) que la padecen. Se palpita en la protagonista una tensión tan fuerte y contenida, que sólo parece liberarse entre las paredes de un baño de escuela, detrás de una puerta de madera que se entreabre ante el miedo de que los “grandes ojos” puedan también mirar ahí adentro, en esas zonas tan íntimas que si irrumpen, solamente queda lugar para la tragedia. Y eso fue lo que sucedió. María Teresa le da una puñalada a su deseo, a ese ser que la descubrió en su más íntimo secreto, en donde la violación fue mucho más profunda que la física, donde su deseo fue “visto” (sin velo) por alguien (que justamente representa para ella la Ley). Y en este punto cabe destacar la evidente paradoja entre este sujeto que representa la Ley y que la “viola” impunemente, a su vez.

 Y María Teresa se va caminando sola, atravesando los pasillos desérticos de la escuela, ese lugar tan silencioso y vacío, quizás como la vida de la protagonista. Va pasando por enfrente de las ventanas (por donde quizás aparezcan “ojos” imperceptibles que las observan) en un plano lejano donde ella se la ve desaliñada y quizás (todavía) sin un rumbo fijo. Ahora somos nosotros también testigos de una María Teresa que seguramente, ya no va a volver a ser la misma.

La Imperfección y las Amistades

Por Víctor Albornoz

La imperfección abunda en el mundo en el que se mueven los dos personajes centrales de Mary And Max (2009), la película de animación en stop-motion del australiano Adam Elliot. Hay imperfección en ellos, imperfección en sus emociones, en sus entornos sociales, en las calles que transitan, y en las ciudades en las que viven. Desde lo universal a lo más intimista, todo lo que el film presenta está signado por una falla, por un defecto que desafía la completa normalidad y a partir del cual las cosas se resignifican.

Quien más sufre y siente la imperfección es Mary, la niña australiana que da nombre al título de la película. La marca de nacimiento color excremento que lleva en la frente y tanto detesta es el centro de sus conflictos. En pos de ella, recibe de parte de sus compañeros de escuela constantes burlas, y ha optado entonces por alejarse del mundo y de la vida social para sumergirse en la soledad en la que se encuentra al comenzar el film. Sus mayores vínculos son sus padres, sus vecinos, y el gallo que mira Los Noblets junto a su lado. Esas son las personas que la rodean y con las que convive y, a pesar de la cercanía que le ofrecen, no le bastan para sentirse a gusto, ni tampoco para sentirse menos sola.  

Ocurre que estos personajes también tienen sus propias manchas en la frente, sus propios defectos en los que se encuentran tan ensimismados que no consiguen salirse de ellos para establecer un contacto con otros seres. La madre de Mary, Vera, es alcohólica. El vecino, Len, padece de agorafobia. Damián es tartamudo. E incluso el gallo que Mary tiene de mascota parece desorientado en la extrañeza de ser un gallo y no haber nunca puesto un huevo. La falla los incomunica a todos ellos, los detiene socialmente. Algunos se encuentran literalmente encerrados en sus defectos, como Len que no sale de su casa por su fobia. Y los otros, en cambio, se hallan encerrados de una manera menos explícita, pero igual de solitaria e inaccesible. Difícil es para Mary hablar con Vera, siempre en su estado de ebriedad, jerez, y tambaleo. Y mucho más lo es hablar con Damián, encerrado en las palabras que tartamudea y demora en decir.

El defecto se vuelve motivo de incomunicación entre Mary y los otros, y en su aburrimiento y necesidad de saciar su curiosidad acerca de de dónde vienen los bebés es que escribirá una carta a Max Horovitz. O quizás, la necesidad de Mary sea, sin más, la necesidad de hablar con alguien. En definitiva, entonces, esa mancha color excremento que Mary lleva como cruz, es la que hará que se interese por la amistad de Max. ¿Y por qué con Max, un ser tan disímil generacional y geográficamente, es que Mary puede vincularse con tanta intensidad? La respuesta a esto, en un principio, podría ser que es porque Max solo existe detrás de cartas, y en la ausencia del contacto frente a frente, es la única de sus relaciones que no ve de cerca su marca de nacimiento, su defecto.

Mary vive en Monte Waverley, Australia. Max en Nueva York, Estados Unidos. Y estos dos escenarios que empiezan a vincularse a través de los protagonistas funcionan no como espacios alejados por mero capricho o disposición de mapa,  sino como una distancia necesaria para el contacto de ellos. Distancia en la que se van derritiendo los chocolates que los personajes se mandan adjuntos a las cartas. Y distancia en la que también se derrite el defecto de cada uno, la falla que en la cercanía sería una traba de comunicación y vínculo.

Porque al igual que todos los elementos que conforman el film, Max también tiene su imperfección, y vive encerrado en ella y por ella. Padece una enfermedad llamada Síndrome de Asperger, un extraño padecimiento que, entre los síntomas que conlleva, aparece una vez más, pero ahora de modo científico, la incomunicación. Ser un aspie –tal como llama Max a su condición- implica tener una mente muy literal, no entender las expresiones faciales de la gente, y tener mala escritura: tres barreras de comunicación. Y como consecuencia de ellas, Max ha pasado una infancia dura y solitaria, y lleva un presente en el que no comprende a las personas que lo rodean. Ni a sus compañeros del Club de Comilones Compulsivos Anónimos, ni a quienes se sientan a su lado en las paradas de colectivo, ni tampoco a su vecina Ivy, que es su relación más íntima. Le resulta difícil llegar al otro, y por eso nunca en su vida ha tenido un amigo. No obstante, al igual que Mary, no resigna sus esperanzas. En los motivos por los que Mary y Max miran los Noblets, hay uno solo en el cual coinciden: Los Noblets tienen muchos amigos. Y esta coincidencia es la manifestación del deseo de ambos protagonistas de tener, al menos, una amistad.

Es tal la incomunicación que sienten los personajes en la película, que el mismo relato no presenta una voz en directo hasta la mitad del film. Hasta ese entonces, lo único que se oyen son voces en off. En principio la de un narrador que nos presenta a los personajes y las ciudades en las que viven, y luego las de Mary y Max a medida que van escribiendo las cartas. El narrador inicial es quien se hace cargo del silencio en el que viven los protagonistas hasta ese entonces. Puesto que en sus rutinas ambos están acostumbrados a la soledad y al no-diálogo, la única manera de llegar a ellos es a través de alguien omnisciente que nos diga lo que ellos aún no pueden. Así nos enteramos de sus ansiedades de una amistad, de su pasión por Los Noblets y por coleccionar los muñequitos del programa (colección que bien podría representar la cantidad de amistades que Mary y Max hubieran deseado tener), y de las múltiples coincidencias que ambos tendrían si tan solo se conocieran. Y luego sucede el descubrimiento entre ellos, y para cuando Mary y Max empiezan a querer comunicarse con el otro, y a querer hablar a través de las cartas, aparecen en el film sus voces en off. Es allí que los personajes comienzan a oírse y a hablar, y nosotros a acceder a sus sentimientos más callados. Conocemos sus desesperadas ganas de comunicarse: lo vemos en la larga extensión que tienen las cartas que redactan, y en la gran cantidad de posdatas que Mary y Max escriben al momento de finalizar la escritura. Ambos parecen necesitar que el encuentro con la carta y con el amigo lejano se prolongue lo más posible, porque en tanto haya posdatas y más cosas para decir, la sensación de estar junto a alguien dura, y la soledad y el silencio de la rutina que viene después del punto final se demora interminablemente.

Con las cartas, Mary y Max hablan, aunque todavía indirectamente. Aún no están preparados para el frente a frente, y a éstas alturas todavía no hay una situación de interacción pregunta/respuesta. Es recién en el primer contacto entre Mary y Damián en la universidad que se oye en la película el primer diálogo propiamente dicho. El contacto con Max prepara a Mary para el diálogo, y el contacto con Damián es donde éste se materializa. Max la prepara para la sociedad durante su niñez, y recién en la universidad Mary puede salir al mundo, y empezar a comunicarse. En éste punto, Max ya no puede ayudar a Mary. Porque para él “El romance y el amor eran un idioma complicado”, tal como dice en una de las cartas. Y el amor de las pocas parejas que hay en el film culmina, de una forma u otra, con un error comunicativo. Max se resigna a no entenderlo. Mary y Damián no funcionan porque él demora su confesión de sexualidad, y se va a vivir con quien antes era su amigo por carta. Y Vera, una vez viuda, lee mal en su estado de ebriedad la etiqueta de un frasco y confunde el jerez con líquido de embalsamar, y muere intoxicada.

La película liga la imperfección a la incomunicación, y la incomunicación a la tristeza. Quienes tienen una falla, se hallan solitarios. Quienes se hallan solitarios, se encuentran tristes. Y el mayor símbolo que Adam Elliot nos presenta es un detalle en el paisaje que muestra al presentar a Nueva York y a Max. Es la Estatua de la Libertad. A diferencia del monumento verdadero, la Estatua de la Libertad que el director nos muestra en su film es una Estatua de la Libertad deprimida. Tiene el rostro triste. Y más aún: tiene el rostro triste de Max. Es una Estatua de la Libertad imperfecta, solitaria, y triste. El emblema de esa Nueva York blanco y negro que Mary And Max presenta.

Adam Elliot liga visualmente la imperfección al blanco y negro. Desde su visión –que es la de Max- Nueva York es una ciudad muy imperfecta por su suciedad, y por tanto en todo el largometraje la muestra en una gama de grises. Y Monte Waverley (pueblo más limpio de 1972, según dice el cartel de bienvenida del pueblo), es un pueblo menos imperfecto, y entonces lo asocia a una gama de sepias y marrones. Estos colores también son representativos de los personajes principales que viven en cada ciudad. Las tristezas de Max son tan antiguas que las lleva encarnizadas en él. Las de Mary, en cambio, son tristezas jóvenes, aún no tan irreversibles. Ella puede aspirar, todavía, a una vida de colores más intensos –de hecho la tiene durante el matrimonio con Damián-; Max, en cambio está condenado a la monotonía de sus ocho trajes deportivos idénticos, de su rutina, y de una vida en blanco y negro.

En éste análisis del color, vale recordar que el mayor momento de desolación de Mary es en su intento de suicidio, y justamente ésta escena es la más oscura de las que transcurren en Monte Waverley. Las paredes se tiñen de negro. Las fotografías grises se vuelven acosadoras.

La irrupción de colores más fuertes en el film –aparecen rojos, verdes, etc- se deben a la irrupción de eventuales perfecciones. La perfección da alegría y color. Y si bien esto sucede en los dos pueblos, es más evidente cuando ocurre en Nueva York. No solo porque el contraste entre los grises y los rojos es más llamativo, sino porque cuando algo de color irrumpe en el mundo de Max se debe, siempre, a algo ligado a Mary. Sus cartas, sus dibujos, los chocolates que ella manda, el pompón que le regala: todo es a color. Mary es la perfección para Max. Y ella, poco a poco, va tiñendo el universo de él hasta llegar a ese final en que el techo de Max se encuentra a color, cubierto por todas las cartas que Mary le ha enviado en tantos años.

En una realidad en la que Max ve la vida como una pasarela con residuos y no consigue solucionar la imperfección de la suciedad en Nueva York, en una realidad en la que Mary ambiciona solucionar las enfermedades mentales y no puede, y en la que ella se opera de su marca de nacimiento sin cambiar su forma de verse a sí misma, lo único perfecto que Mary y Max encontraron fueron la amistad del uno con el otro… Y en base a esa perfección Max es capaz de perdonar a Mary después del enojo que los distancia. La perdona porque eres imperfecta, y yo también lo soy, y todos los somos y debemos aprender a vivir con ellos. Esa amistad perfecta es la que los repara de la amargura total, y los ayuda a superar sus defectos. Esa perfección es la que les basta para una vida menos gris.

Lo universal y la vaca

Por Paula De Giacomi

La película “Un cuento chino” (de Sebastián Borensztein) habla sobre un “universal”, que a pesar de las diferencias culturales, idiomáticas y geográficas, se mantiene. Y a su vez, también trata sobre “objetos” que cambian su significado según el contexto en el que aparecen.

La escena de los créditos nos muestra una pareja hablando en un lago, en algún lugar de China. El director eligió no traducir el diálogo entre ellos, con lo cuál nosotros (como espectadores) quedamos “por fuera” de la situación, simplemente por no conocer el idioma chino. Pero al mismo tiempo, podemos entender qué es lo que sucede, porque hay ciertos “símbolos” que son universales como por ejemplo: los anillos de compromiso, las miradas, las sonrisas, que nos hacen poder comprender de alguna manera lo que sucede entre estas dos personas.

Esto mismo se mantiene a lo largo de toda la película, ya que sino sería imposible que se desarrolle la relación entre Roberto y Jun durante ésta. Ellos no se entienden a través del idioma, sino a través de gestos, sensaciones, posturas corporales, dibujos, o cualquier actitud humana que no tenga que ver con las palabras. Es ese “universal” que a pesar de haber nacido a miles de kilómetros de distancia, los une.

Por otro lado, la vaca, sería ese “objeto” que cambia según las circunstancias y que marca la vida de cada uno de los personajes.

Por un lado la vaca de Jun divide, separa (literal y simbólicamente). La vaca de Roberto, une. Es a través del dibujo que hace Jun en la pared del patio de Roberto, que se desencadena el movimiento en su (pasiva y rutinaria) vida. En ese dibujo esta contenido toda la historia de Jun. Es entonces cuando Roberto, que ya venía “enterrando” su pasado y tirándole tierra encima, como si el container de la basura fuera una tumba (así lo muestra la cámara desde abajo) puede, por primera vez, ir dejando su pasado atrás (aunque sin despegarse completamente de él, claro) para dirigirse hacia “adelante”, hacia el futuro (lo vemos “manejar” en la ruta, así como comienza a tomar el “volante” de su vida).

Y es acá donde Mari aparece con su vaca, ese animal que es una parte cotidiana de su vida, esta vaca que aparece en fotos como si fuera un familiar o amigo muy querido (hasta con nombre propio) que personifica su vida de leche y campo.

La vaca, en cualquiera de sus formas, a nosotros también nos mira y la vemos al igual que Roberto, apuntando sus expresivos ojos en nosotros mientras la cámara se va acercando lentamente y queda fija unos segundos en su mirada, esa mirada que a cada uno de nosotros (estemos donde estemos) nos remite a un lugar subjetivo y diferente.

Así, en los créditos finales, aparece por debajo de las letras la traducción de los nombres escritos en chino, como una manera “integradora” de concluir el proceso que se da en el film, y donde ahora sí podemos comprender los signos en tu totalidad (porque ahora ya nos posicionamos en un lugar diferente que cuando comenzaba la película).

Porque además nos damos cuenta que hay cosas inherentes al ser humano que todos compartimos: la soledad, el deseo, la muerte, la esperanza y que no hacen falta signos para decodificar unos ojos llenos de lágrimas, un abrazo, un apretón de manos, un golpe en la espalda, o un ceño fruncido. Porque cada uno tendrá su “propia vaca”, pero ahora nos mira fijo y le entendemos.